David Hockney 25

"David Hockney 25", une rétrospective de 70 ans de l'artiste britannique par l'artiste britannique lui même! 

A l'occasion de cette exceptionnelle rétrospective, les 11 galeries de la Fondation ont été mobilisées pour acceuillir plus de 400 œuvres provenant majoritairement de l'atelier de l'artiste et de sa fondation, mais aussi de prêts de diverses collections et institutions. 

Véritablement inédite, l'exposition dédiée à l'un des artistes les plus influents des XXème et XXIème siècles rassemble 7 décennies de création; et ses œuvres les plus variées, des peintures à l'huile, aux œuvres sur IPad, en passant par les dessins au fusain. 

Cette rétrospective met au jour la capacité de l'artiste à toujours se réinventer, ainsi que le renouvellement permanent de ses sujets. 

« Cette exposition est particulièrement importante pour moi, car c'est la plus grande que j'aie jamais eue – les onze galeries de la Fondation Louis Vuitton ! Quelques-unes de mes toutes dernières peintures, auxquelles je suis en train de travailler, y seront présentées. Ça va être bien, je crois. »

David Hockney

En 2018,  Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) de David Hockney a été vendue par la maison de ventes Christie's à New York pour le prix record de 90,3 millions de dollars (soit 79 millions d'euros): il s'agissait alors de l'œuvre la plus chère jamais vendue aux enchères pour un artiste encore vivant. Ce record a toutefois été battu l'année suivante par Jeff Koons, qui venda sa sculpture en acier inoxydable Rabbit à 91,1 millions de dollars. 

Cette toile réalisée en Californie et dans le sud de la France synthétise l'univers de David Hockney, en même temps qu'elle porte une forte charge émotionnelle. Cela est d'autant plus intéressant lorsque nous savons que Portrait of an Artist est né d'un placement accidentel de deux photos dans l'atelier de Hockney, qui a alors décidé d'explorer cette image. 

En effet, Portrait of an Artist présente un arrière-plan des collines verdoyantes, inspiré du sud de la France, tandis que la lumière est vive, californienne.  Cette oeuvre synthétise son travail sur les piscines californiennes, le portrait ainsi que les relations intimes. 

Parallèlement, cette peinture est ancrée dans l'histoire personnelle de l'artiste, qui y dépeint la rupture de façon symbolique, pour évoquer sa propre rupture amoureuse. En effet, l'homme debout serait Peter Schlesinger, l'ex de D.hockney qu'il avait récemment quitté, tandis que le nageur serait D.Hockney lui-même. Quatre éléments picturaux sont à analyser sur cette toile: 

- d'abord, la séparation et la distance: la piscine pourrait incarner un barrière, un monde inaccessible pour Peter Schlesinger qui ne peut qu'adopter une posture passive d'observateur; la distance pourrait symboliser la difficile, voire impossible communication entre les deux hommes;

- aussi, le regard, puisque l'homme debout ne peut que regarder le nageur, sans interagir avec lui. En outre, le langage corporel nous fait comprendre qu'il adopte un état d'esprit figé et passif. Ce regard pourrait être un regard rétrospectif (comme s'il posait son attention sur leur relation passée) ou une expression de la solitude des deux figures. En effet, même s'ils sont physiquement proches, une forme de solitude partagée par les deux figures est ressentie; 

- l'environnement, paisible et idyllique, est en opposition avec la tension humaine, conférant ainsi à la toile un déséquilibre;

- ainsi que la piscine californienne, symbole phare de David Hockney: en effet, fasciné par la lumière de la Californie, il voit en la piscine un  espace de liberté mais aussi de reflet et d'illusion, ainsi qu'une séparation entre deux mondes (différence de surface et de profondeur). Ici, la piscine représente clairement la rupture. 

Cette création fait aussi écho à deux autres œuvres majeures de D.Hockney: A Bigger Splash et Mr and Mrs Clark and Percy, également présentes à la fondation. 

A Bigger Splash donne à voir une piscine vide, avec un grand splash au centre. Cependant, aucun personnage n'est visible, ce qui est quelque peu surprenant: ce n'est pas un rapport humain qui est dépeint, c'est l'absence. De plus, l'impact sur l'eau mis en lumière, mais la source du splash demeure inconnue. Le splash peut donc suggérer un évènement soudain, et peut être, symboliserait il une rupture entre deux individus.  En outre, l'absence de quelconque présence humaine renforce l'idée de solitude, de rupture. 

Quant au tableau Mr and Mrs Clark and Percy, il s'agit de la distance émotionnelle, au delà de la pudeur, qui est représentée. En effet, le couple formé par le styliste Ossie Clark et la muse de David Hockney, Celia Birtwell, est dépeint dans un intérieur londonien. Leur chat Percy pourrait symboliser la tension domestique, qui est également perçue sous l'apparence tranquille des personnages qui ne se regardent pas, exactement comme dans Portrait of an Artist.

L'artiste de 87 ans s'est lui même impliqué dans cette exposition. En effet, avec son compagnon et studio manager, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, ils ont choisi de centrer l'exposition sur les 25 dernières années. David Hockney a également tenu à suivre la conception de chaque séquence et de chaque salle.