Haydn / Busoni / Vivier - Barbara Hannigan

Barbara Hannigan, première artiste invitée de l'Orchestre Philarmonique de Radio France, a dirigé ce vendredi 20 octobre l'Orchestre Philarmonique de Radio France. A la Maison de la Radio, la cheffe d'orchestre a présenté des compositions de Busoni et Vivier, mais c'est son cher Haydn qu'elle a placé au cœur du concert.

Ce soir là, le rideau s'est levé sur la composition contemporaine et française Je ne suis pas une fable à conter de Golfam Khayam. L'œuvre donnée en création mondiale de la compositrice iranienne Golfam Khayam, a été interprétée par la chanteuse et cheffe d'orchestre Barbara Hannigan, qui dirigeait simultanément l'orchestre !

Originaire de Téhéran, Golfam Khayam s'est inspirée des poèmes de Shamlou, un poète iranien contemporain dont elle était proche. Petite, elle l'appelait "oncle" et a grandi avec ses poèmes, sa musique, les bourdons ancrés dans la tradition, les Maqam (le Maqam est le modèle principal de musique kurde), autant d'éléments qui l'ont construite personnellement et qui sont retrouvés dans sa musique. 

L'artiste iranienne a elle-même contacté Barbara Hannigan pour lui faire part de son admiration. Elle lui a par la suite envoyé des extraits de sa musique. En les écoutant, la cheffe d'orchestre a été très émue. Spontanément, elles ont décidé de créer une pièce ensemble. Les deux femmes ont notamment collaboré sur le choix du texte : Golfam Khayam a partagé à la cheffe de plusieurs textes iraniens de Shamlou, et c'est Je ne suis pas une fable à conter que Barbara Hannigan a choisi. 

En dirigeant simultanément, la virtuose Barbara Hannigan chante en français et en farsi. En effet, elle confie a Sofia Anastasio pour Rdaio France : " j'ai toujours été fascinée par le fait de transposer des éléments de notre musique traditionnelle dans un contexte contemporain". 

Golfam Khayam fait ainsi résonner les sonorités de son pays natal, marqué par de violentes répressions depuis maintenant plus d'un an. 

La puissante phrase finale de cette œuvre qualifiée de "sombre et lumineuse" par Barbara Hannigan, nous dit en farsi : Man dardé moshtarekam, Maraa faryaad kon qui signifie "je suis la douleur ordinaire, fais-moi sortir en criant !". 

"Au commencement fut le Chaos, puis Gaïa, la terre au vaste sein [...] Du Chaos et de l'Erèbe naquit la nuit noire"

Théogonie d'Hésiode, VIIème siècle avant J-C

Chaos, du grec ancien Khaos qui signifie la faille, l'ouverture, est l'élément primordial selon Hésiode. Cette notion sera reprise par les Romains et notamment par Ovide s'inspire de la Théogonie d'Hésiode. Voici les premiers mots Métamorphoses d'Ovide : 

"Avant la mer, la terre, et le ciel qui couvre tout, la nature, dans l'univers entier, offrait un seul et même aspect ; on l'a appelé le chaos "

Métamorphoses d'Ovide, Ier siècle

Cette passion qu'ont les musiciens pour la chaos remonte au XVIIème siècle, et plus  précisément à l'an 1721. Cette année là, les compositeurs André Cardinal Destouches et Michel-Richard Delalande présentent au jeune Louis XV Les Éléments, un ballet s'ouvrant sur une tumultueuse dissonance évoquant évidemment le chaos. Soixante-dix ans plus tard, c'est le compositeur autrichien qui se consacre au chaos en musique, que l'on retrouve au début oratorio (œuvre lyrique dramatique sans représentation scénique). La marginale création Chaos de Joseph Haydn a été composée en 77 ans, de 1732 à 1809. La Création, du titre originel Die Vorstellung  des Chaos, est un époustouflant prélude orchestral qui a été interprété sous la direction de Barbara Hannigan vendredi dernier ! 

Ecoutez cette très admirable création d'Haydn !!

La Berceuse élégiaque qui a pour sous titre Des Mannes Wiegenlied am Sarg seiner Mutter : Berceuse de l'homme devant le cercueil de sa mère, a été composée en 1909 par Busoni lorsque sa mère est décédée. Sa mère était pianiste professionnelle, alors Busoni composa pour elle cette Berceuse élégiaque pour piano seul. Cette œuvre nous plonge dans un univers fascinant qui ne semble ni tonal, ni atonal qui rappelle les morceaux de Franz Liszt. Gustav Mahler qui était à la tête du prestigieux New York Philarmonic, dirigea lui-même cette Berceuse. Ce concert était le dernier de sa carrière, il s'éteindra trois mois plus tard. 

Caractérisée de déséquilibrée et critiquée à cause des cordes coincées dans les graves ou du trop petit groupe de vents, les compositeurs remanient sans cesse cette Berceuse : Erwin Stein, élève d'Arnold Schönberg, réorchestre l'œuvre après la Grande Guerre pour une société privée à Vienne ; Schönberg lui-même remanie la Berceuse en une version chambriste ; et finalement, en 1989, le compositeur américain John Adams propose une nouvelle version et prouve que la Berceuse élégiaque est une œuvre intemporelle. 

No need to be in a mauvais mood pour écouter ce morceau ! 

"L'écriture symphonique et théâtrale de Haydn sonde jusqu'au chagrin le plus profond et s'étend jusqu'aux plus hauts cieux" déclare Barbara Hannigan en 2019. Ces propos, nous pouvons les appliquer à la Symphonie n°44 en mi mineur, conçue entre 1770 et 1771 et interprétée ce soir par l'Orchestre Philarmonique de Radio France. 

Cette Symphonie n°44en quatre mouvements, a pour surnom Funèbre à cause du sombre lever de rideau. Cependant, après l'ouverture, nous sommes entraînés dans un élan de rythmes passionnés. 

Une légende raconte que Haydn aurait demandé à ce qu'on joue l'adagio de la symphonie le jour de ses funérailles. Fake news : ce n'est jamais arrivé. 

En tant que fan girl d'Haydn, Barbara Hannigan décide d'interpréter une autre composition du compositeur autrichien. De plus, la cheffe d'orchestre confie : "je considère Haydn comme mon petit ami de 250 ans ! " (right person, wrong time...désolée ma belle). La virtuose chanteuse, musicienne et cheffe d'orchestre déclare également jouer chaque partition, de chaque instrument afin d'exploiter la liberté propore à chaque morceau : "quand je prépare une de ses symphonies [d'Haydn], je fais moi-même tous les coups d'archet et toutes les articulations pour chaque ligne de violons 1, violons 2, altos, violoncelles et contrebasses"

Découvrez cette époustouflante symphonie, mon coup de cœur de la soirée ! 

"Ce n'est pas moi qui écrit ma musique, c'est peut-être les fleurs que j'ai senties, le geste que j'ai fait, les êtres que j'ai vus, ou les étoiles, on ne sait jamais. La musique est un amour, comme tout est amour"

Claude Vivier

Décrit comme "le compositeur le plus important de sa génération. Cet homme est un génie !" par Györg Ligeti, l'une des plus grandes figures de la musique du XXème siècle, Claude Vivier composa Wo bist du Licht de 1948 à 1983. Cette œuvre a ce soir été chantée par la mezzo-soprano Ema Nikolovska. Alors que Claude Vivier est âgé que de 34 ans, il est assassiné en pleine rue par un jeune prostitué. Claude Vivier nous laisse une cinquantaine d'œuvres. 

Né a Montréal de parents inconnus, Claude Vivier grandit dans une famille d'accueil mais les abus d'un oncle pédophile l'éloignent à 8 ans vers un internat puis un pensionnat religieux. La bas, il y découvre son amour pour la musique à travers l'orgue sur lequel il fit ses premiers essais de composition. Il se forme donc ensuite à la musique, d'abord à Montréal et remportant de nombreux prix, il part pour l'Europe et se forme à Utrecht puis à Cologne. Claude Vivier voyage, découvre de nouvelles cultures, musiques (notamment le gamelan balinais qu'il évoque dans l'une de ses œuvres). 

Wo bist du Licht est, selon le compositeur,  "une méditation sur la douleur humaine". En contrepoint au chant de la soliste, une bande son du dernier discours de Martin Luther King, un enregistrement de l'assassinat de Robert Kennedy, un texte dans une langue imaginaire et un récit de torture sont diffusés. En effet, le chant inventé par Claude Vivier est composé d'une partie en allemand et d'une partie en langue imaginaire. 

Ecoutez un extrait de ce morceau contemporain, original et très marginal ! ( âme sensible : ne pas aller trop loin dans l'écoute )